“刻舟者的不系之舟将雕塑作为方法”四人雕塑群展将于2024年5月18日在壹美美术馆一楼展厅开展。展览由程辰策展，孙振华先生担任学术主持，参展九游J9 网站艺术家分别为李展、占研、王朝勇、张有魁。此次展览以“不系之舟”为意象，指雕塑家了无挂碍、潜心于雕塑工作的境界；“将雕塑作为方法”则指向对雕塑本体的关注，以及雕塑家基于体认的工作方法和生命经验。
四位雕塑家有着风格各异、自成气候的艺术语言。李展在虚空中游神赋思，肃静简约中透露出对物质存在的形而上的思考；占研以工业化的材料和工艺，淋漓尽致地展现了理性的冷峻与玄妙；王朝勇的作品有着一种质朴的民间意味和拙雅的自然气息，斧凿遗痕，清木留香；张有魁以富有想象力的形象思辨，在多种媒材之间自由切换，巧妙地置换和挪用文化符号。雕塑作为方法，连接了不同的想法、经验，传递了象征性、文化性与社会性的信息，还成为了雕塑家个人生命的延伸和体现。
如果用最直白、最简单的语言来解读“刻舟者的不系之舟将雕塑作为方法”展览中的四位雕塑家，那就是：经验与表达。
艺术首先基于个人的经验：个人生命中的种种际遇，生长环境、教育背景，喜好欢欣、痛苦哀愁诸如此类。
每个人都有生活经验，为什么只有少数人在从事艺术创作呢？这是因为，所谓艺术创作，需要有对自己生活经验的认知能力和转化的冲动，只有那些对“艺术”的形成具有特别意义的深刻经验，才成超越一般经验而成为艺术经验。
如果拿艺术家和历史学家作比，艺术家始终面对和表达个人经验，而历史学家则侧重于面对和表达集体和共同的经验。当我们把李展、占研、王朝勇、张有魁四个雕塑家当作一个整体来看的时候，确实可以归纳出一些属于他们的共同东西，但这个工作可能更是艺术史、艺术理论所要做的，对于展览，站在现场，观众们更需要的是回到他们的个人经验中，面对作品，用我们的个人经验来接近、感受、分享；和他们共情、对话。
事实上，艺术家的个人经验和观众的个人经验无法凭空相遇，必须要借助媒介，借助物质形体、空间材料作为载体才能传达出来，这就涉及到了表达。
世界上有无数种表达，这四个雕塑家的表达有他们相对的范围，这就是“雕塑”。展览名称中，“用雕塑作为方法”，就是将雕塑作为一种途径，一种手段，一种沟通和传达的方式。如果流行的说法讲“人人都是艺术家”，那么这个展览强调的是，四个雕塑家不是“人人”，而是专业雕塑家。
策展人为什么选择这四个雕塑家？最直接的理由，是否可以说，这是四位是非常注重表达，也善于表达的艺术家。在同时代雕塑家中间，他们的表达具有较高的专业门坎和技术难度；他们的创作方法论，他们的空间思维方式、形态方式、材料方式和呈现方式具有十分突出的个性特点，具有创新性的个人面貌，具有难以替代的唯一性。
策展人的这种选择在今天当代雕塑创作的情景中，无疑是具有针对性的。当观念可能遮蔽语言，当思想可能忽略形体，当灵光一现可能替代手工劳作的时候，用什么样的表达来呈现个人经验？或许是展览提请观众所要注意的问题。
经验和表达，是一个互为因果，相互倚重的闭环：个人经验离不开有效的个性化表达，否则个人经验很难具有艺术感染力；那么个性化表达的能力来自哪里？这又回到了个人经验。
将这四位各有绝活的雕塑家聚集在一起是一个难得的机会。策展人将雕塑家比喻为刻舟者，那么“刻舟者的不系之舟”会把我们带到哪里？循着经验与表达的思路，每个观众不妨自己去寻找答案。
雕塑以物为本体，将空间性、时间性、身体性、材料性的复杂共振带入在场；将雕塑作为方法，不仅是关于雕塑的一个命题，更融入了雕塑家的人生维度，是其生命时间的物质载体、身体行动的具身显现。若把雕塑家称作刻舟者，“刻”是其最本体、朴素的动作，“舟”则是其生命之承载。青春意气时，乘舟而行，剑坠于水，遽契其舟。最初只见得身外之剑，剑落欲寻而刻舟。后来渐而发现，宝剑已遁入幽幽潭水，营营凿凿的苦力却真实不虚：原来刻的不是外在的舟，而是承载着自己的舟；自己的面貌早已因舟的改变而塑造，所刻之舟也成了自己生命的写照。本次展览选取了四位青年雕塑家，他们以其独特的艺术语言雕刻时光，在生命之河中留下痕迹。与他们各具风貌的作品相遇，见舟如面。
李展的雕塑作品是一个个简约的实体，它们有着粗朴素雅的质感，其平滑起伏的外表似乎脱胎于虚空中的勾勒。李展的雕塑形体是由内向外的“力”与由外向内的“力”交会而成的界面，运生出似实似虚的、内外游走的空间形体。雕塑是真实的物质实体，是行之于物的思维方式，当它的存在空间与观者的生存空间产生交叠，便会呈现出雕塑本体的力量。这些雕塑不是结构，不是技巧，也不是现实之物的对应，它们不再摹仿所见之物，而只是“使其可见”借动物与器物形象，实则是存在状态的游骋、流转，是事物起源之纯粹化。
占研的作品具有机械化的严谨和精妙，散发着工业时代冷峻而梦幻的气息。齿轮咬合转动，精密地运转以对应天象人文；皮尺紧绷排列，在金属的框架结构中穿梭隐现。这种高度理性的机械结构，在专注与克制中又充满令人眼花缭乱的细节，似乎显示了人类思维的内在规律。占研不止步于此，他用这种人的理性尺度丈量天文地理，尝试将自然与人文以艺术的语言统合于他的人造装置之中，于是，星宿、地图、标本、字符被置于仪盘透镜下。这些具有象征意味的什物与符号，隐讳地指涉了天体运行、四季交替等等复杂表象背后极简的原理。占研创造的是一种通灵的机器，既是迷宫，又是谜语。借由机械的外观和高度抽象化的概略符号，他将真正想说的话隐藏其间。
王朝勇专做木雕，躬行凿刻，与木头建立起越来越深厚的联结。这是一种纯手工的劳作，是身体的体验与思考和出于直觉的从简，使用眼与手、召唤心与物，无视现代技术为了效率而对自然进行的逼促，与集置生产的现代逻辑逆向而行。他的作品自成气候，粗朴简练，品性自然，保留了木料原本的粗糙质感。它们适宜以复数或群组的形式存在，木与木之间发生着交往联复的对话，形成精神体的共同站立，构成某种幽微的叙事性。它们在雕塑家的劳作中自然回归，质朴中绽出触动人心的亮光。
张有魁的作品介乎雕塑、装置与器物之间，他创造性地使用多种媒材，将丰富的语义在同一场景中并置，呼应社会历史与日常现实。他采用泥塑、纸浆、木料，甚至琉璃、快递袋等多样化的媒介材料进行改造，这些材料本身就承载着丰富的社会生产与历史经验的信息，能够唤起人们跨领域、多感官的共鸣。在此基础上，他巧妙地在显性的层面将文化符号的表征串联起来，形成意外而合理的错置，传达出全新的意义。凭借着观众的参与性和阐释的开放性，对社会历史惯例的敏锐意识，以及带有泥土气息的艺术智性，张有魁的作品总是给我们带来具有穿透力的惊喜与新意。
雕塑作为方法，早已不为求剑，而成了生活的修行。刻舟者任其不系之舟漂泊不定、了无羁绊，只沉浸在忘我的工作中，宵衣旰食、栉风沐雨。恍然抬头，已隔三秋，环顾四周，景色嫣然。愈刻舟，愈觉当初所寻之剑的次要，倒是舟行所至的景色弥新，方觉一切都是最好的安排。一叶扁舟，一则作品，成了雕塑家劳作与沉思的真切写照，也成了他们的生命故事与人生寄寓。
1983生于山东济南；2008 毕业于中央美术学院雕塑系一工作室，获学士学位；2013毕业于中央美术学院雕塑系，获硕士学位；2017毕业于中央美术学院造型艺术研究所，获博士学位；现任教于中央美术学院雕塑系一工作室，副教授，硕士研究生导师。
1984年出生于湖北省黄石市，2010年本科毕业于广州美术学院雕塑系，获学士学位，2013年研究生毕业于广州美术学院雕塑系，获硕士学位，现生活工作于广州。广州美术学院雕塑与公共艺术学院讲师，中国雕塑学会会员，国际动态艺术协会中国分会会员。
男，汉族，1986年生，山东聊城人。2012年6月毕业于中央美术学院雕塑系，获学士学位。2017年6月毕业于中央美术学院雕塑系，获硕士学位。2022年6月毕业于中央美术学院，获美术学博士学位。2017年11月-2019年7月工作于广西师范大学，2023年5月至今工作于天津美术学院。
张有魁，1987年出生于山西介休，中国美术学院艺术学博士，现任教于湖北美术学院，中国雕塑学会理事，中国文化产业促进会公共艺术专委会副秘书长，第十届明天雕塑奖初评评委。作品曾获第四届、第七届明天雕塑奖；第九届曾竹韶雕塑奖学金大奖；第四届中国姿态中国雕塑佳作奖；第四届台湾丽宝国际雕塑双年展佳作奖等奖项。2019举办双个展“再生之环”张有魁、金善珍作品展并于昆明、北京展出，2020发起凿山公共艺术创作。作品被中国雕塑博物馆、山东美术馆、海澜美术馆、罗中立美术馆等机构和个人收藏。
孙振华，曾在文学、美学、美术史专业学习，1989年获中国美院博士学位。专业领域为雕塑理论及历史、公共艺术的理论及实践、当代艺术批评。著有《生命神祇时空雕塑文化论》、《中国古代雕塑史》、《中国当代雕塑史》、《公共艺术时代》等著作二十部。现为中国雕塑协会秘书长、中国美术学院博士生导师、湖北美术学院、四川美术学院、上海美术学院特聘教授。
程辰，广州美术学院雕塑与公共艺术学院教师、实验雕塑方向工作室主任。壹美美术馆艺术总监。中国工艺美术学会雕塑专业委员会副秘书长。中央美术学院博士。
公众号
